[Glyphe] Multitouch et génération de sons – reacTIVision / processing from pixyLab on Vimeo.

Elle ne contient que l’explication des 3 concepts retenus.

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Lien de ce résumé : http://diplome.pixylab.com/concepts/

Format : Flash

Résolution minimum : 1024*768

Thèse téléchargeable au format PDF : 460 pages, 1.57mo

Notes / Mémo :

Influence de la musique, au niveau :

Cognitif : Effet sur l’attention, action sur la mémorisation, sur la crédibilité de la source, sur la cohérence du message et, plus récemment, sur les croyances d’images.

Affectif : Influence sur les attitudes et les changements de préférences.

Conatif : Effet sur l’intention d’achat et le choix du produit.

—

Musique = Source de plaisir émotionnel et intellectuel.

Musique comme expérience esthétique.

—

PRICE (1986) :

« Contour de la musique »

« Niveau de complexité de la musique »

« Degré de plaisir éprouvé »

« Pressions sociales »

—

Propriétés :

Fréquence (nombre de cycles, de « voyages complets »)

Amplitude (Distance position initiale / déplacement maximal) Affecte le volume

Longueur/durée (Dimension temporelle)

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Dimensions de la musique (expérience à la musique)

Sensorielle : Réaction primaire (taper du pied)

Imaginative : Image / Situation évoquée

Analytique : Examen objectif et logique

Émotionnelle : Sentiments éprouvés

Conative : Volonté de toucher un objet ou relater un souvenir

Nostalgique : Sensation liée à l’expérience passée

Symbolique : Significations véhiculées

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Supersigne (Gestalt) (MOLES 1972)

« Réduire la quantité d’information brute en groupant les éléments dans une forme nommée, reçue de l’apprentissage culturel. »

« Moles (1972) explique que l’individu, lorsqu’il traite l’information musicale, construit des formes qui s’échafaudent sur plusieurs niveaux. Chacun de ces niveaux est un regroupement des formes élémentaires du niveau qui lui est immédiatement inférieur. Certains éléments de la musique peuvent agir sur les réponses de l’individu à travers les effets qu’elles ont sur le corps humain. Ces éléments peuvent agir physiquement par les vibrations d’air qu’ils produisent. Ces phénomènes, formes élémentaires, se mesurent le long de trois dimensions précédemment citées : hauteur, niveau, durée. »

« L’impression produite par la mélodie n’est pas la somme des impressions produites par chaque note jouée isolément, elle possède une spécificité que la transposition met en évidence, elle est une qualité de forme » C. Von Ehrenfels 1890

=> Musique appréhendée comme une forme.

Concept de forme musicale => Construction de musique, puzzle, jeu de forme.

Un rythme, une texture peuvent déclencher, chez l’auditeur, la reconnaissance d’une forme. En particulier l’étude de Kellaris et Kent (1993) laisse supposer que la texture est un élément porteur de forme.

—

Musique comme source de créativité.

Imaginer les interactions en se plongeant dans une ambiance sonore particulière.

—

« Processus de catégorisation »

« label » = genre musical attribué par l’individu

Choix de la playlist => Agit directement sur l’adoption d’un public précis.

Musique => Groupe social ou distinction

MUSIQUE = ACTIVITÉ SOCIALISANTE (Garcia Bardidia)2002

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Recentraliser le projet autour du partage / culture ?

Plaisir de partager ses goûts musicaux.

« Hogg et Banister 2000 suggèrent que la musique peut être utilisée comme indice pour prendre en conscience de l’appartenance à un groupe social »

« Le fait que l’individu appartienne (ou désire appartenir) à un groupe social peut donc l’amener à modifier ses jugements sur la musique afin de se conformer aux normes du groupe »

« La musique déclenche des réactions à la fois sensorielle, affective, cognitive et sociale qui agissent ensemble pour provoquer des jugements et des évaluations de la musique. »

Jérémie Biron : Bonjour Vissale, peux-tu te présenter en quelques lignes ?

Vissale : Oui donc moi c’est Vissale, j’ai 30 ans et je travaille dans la simulation automobile en tant qu’ingénieur développeur sur Paris.

JB : Peux-tu me parler un petit peu de ton parcours dans les jeux vidéo ?

V : J’ai découvert les jeux vidéo vers 8 ou 9 ans je crois (ça remonte) avec la Nes chez un pote. Le premier jeu que j’ai touché c’était Section Z je crois ou alors Slalom. J’ai ensuite connu Super Mario Bros. 2, Zelda etc. Après pas mal de harcèlements j’ai enfin eu ma propre Nes… une grande époque. Ensuite j’ai connu comme beaucoup de gamers, la Super Nintendo (que j’ai eu), le PC, la megadrive. J’ai ensuite enchaîné avec la playstation 1, N64, playstation 2 et Gamecube. Maintenant je suis sur Xbox et Wii et je prendrai surement la Playstation 3 pour le prochain jeu de Fumito Ueda.

JB : Tu sembles avoir beaucoup d’expériences dans le monde des jeux vidéo, justement, parle-moi du premier contact que tu as eu avec un jeu de rythme.

V : J’ai joué à pas mal de jeux de tous styles mais je n’ai connu que très tardivement les jeux musicaux. Je lisais dans la presse quelques articles sur les jeux de Konami (Guitar Freaks, Drummania etc.) mais je me faisais une très vague idée du concept. A l’époque je n’avais pas internet et c’était pas évident de voir ce que pouvait donner ce genre de jeu.

Mon premier contact c’était avec Guitar Hero dans un magasin, par pur hasard. J’ai vu un gamin jouer et j’étais un peu perplexe (je faisais de la gratte à l’époque). J’ai testé…. et je suis resté 2 heures sur la borne !

JB : Saurais-tu dire ce qui t’as plus dans Guitar Hero à ce moment-là ?

V : Oui parfaitement, c’était le sentiment de produire un son en validant une touche, ou plutôt une mélodie par un enchainement de notes. Le jeu donne l’illusion d’être à la source du son, c’est encore plus vrai quand le timing est bon.

JB : Donc comme la plupart des joueurs, tu t’accordes à dire que le fait d’interagir avec la musique est un élément capital du jeu ?

V : Pour moi c’est l’essence même du jeu. Guitar Hero a été très bien pensé, les éléments de gameplay supplémentaires par rapport au jeu de Konami (Guitar Freaks) ont accentué l’immersion.

JB : Justement, as-tu eu l’occasion de tester ces jeux japonais et quels atouts (toujours de ton point de vue) a su apporter Guitar Hero ?

V : Oui j’ai pu tester sur un émulateur DTXMania, à la fois guitare et batterie. Pour Guitar Freaks disons que le choix de scrolling des notes (bas vers le haut) n’est pas très naturel. L’ajout de 2 touches supplémentaires dans Guitar Hero permet plus de possibilités (utilisation des quatre doigts, déplacement de main, accords supplémentaires etc.).

Guitar Hero autorise le jeu en legato ( »hammer on » et « pull off ») et c’est un plus énorme car l’action du joueur colle plus avec la piste audio et l’immersion est grandie (tapping, HO, PO, bends etc.)

Et pour parfaire le tout, les notes longues sont présentes et le contrôle du son a été ajouté grâce à la barre de vibrato ce qui augmente encore l’immersion et donne l’impression d’agir directement sur le son. Cerise sur le gâteau la notion de Star Power a été très bien pensée par Harmonix.

JB : Finalement, les détails qui te plaisent le plus sont globalement ceux qui viennent des instruments « réels »… Pour toi qui pratique à la fois la musique et les jeux musicaux, penses-tu que ces jeux peuvent être une bonne initiation à la musique, voir même, dans un futur proche, une manière d’apprendre à jouer ?

V : Ces jeux peuvent clairement donner envie de passer sur les vrais instruments, j’ai plusieurs connaissances qui se sont essayés à la vraie guitare. L’un a abandonné le jeu pour l’instrument réel et ça a été le cas inverse pour l’autre.Moi par exemple j’ai abandonné la vraie guitare pour une vraie batterie et ça à cause de Rock Band (ou grâce !)

Par contre je ne pense pas qu’un jeu puisse apprendre à jouer, le jeu oblige à utiliser certains muscles sollicités sur l’instrument réel. La batterie en plastique offre tout de même beaucoup plus de similitudes avec l’instrument réel mais c’est la partie visible de l’iceberg. Donc apprendre non mais donner envie oui.

JB : On a vu avec RockBand que les jeux musicaux tendant à se diriger vers du social gaming (jeux entre amis). Comment ressens-tu la chose, préfères-tu jouer à GH/RB plutôt « sérieusement » en solitaire ou au contraire y jouer plus convivialement, quitte à ne pas chercher du scoring pur et dur ?

V : Concernant Rock Band j’y joue surtout pour son gameplay batterie et je ne fais pas trop attention au score (même si je « travaille » la carrière quelquesfois). Je m’amuse à appliquer ce que m’enseigne mon professeur de batterie et j’essaie aussi de voir ce que m’apporte le jeu dans le sens inverse ainsi que les points communs en terme de « plaisir ». L’aspect social est tout de même intéressant, le jeu peut regrouper des personnes n’ayant pas d’aptitudes musicales et les laisser se prendre au jeu. Ce genre de jeu fait aussi connaitre certains groupes ou types de musique, des fans voient le jour. Aux Etats-unis il y a même des bars officiels Rock Band qui organisent des soirées. J’ai rencontré beaucoup de joueurs lors de soirées, événements etc. Des communautés se forment et même des couples !

JB : C’est bon à savoir ! Allez on va finir sur une petite dernière question. As-tu une anecdote qui t’a particulièrement marqué au cours de ta pratique des jeux de rythme ?

V : Oui à cause de Rock Band j’ai claqué 7000€ en batterie acoustique et électronique ….. Moins drôle par contre… mes voisins du dessous ont déménagé.

JB : Je compatis pour tes voisins ! Quelque chose à rajouter pour conclure ?

V : |m|

JB : Yeah !

Yahmaha Tenori-on

Véritable instrument de musique électronique, le Tenori-On est composé d’une grille de 16×16 leds que le joueur peut activer ou désactiver pour déclencher des sons de manière intuitive et visuelle. Il est possible de stocker des « partitions » dans l’appareil que l’utilisateur pourra déclencher à souhait, le tout au travers de 6 modes musicaux distincts.

Tenori-on

Une version flash allégée a été réalisée par André Michelle sous le nom de   »Tone Matrix » <– Démo jouable

Novation LaunchPad

LaunchPad est un périphérique à coupler avec le logiciel Ableton Live (création musicale complète). Il trouvera son application dans le DJing, la performance live ou la composition brute. LaunchPad est composé d’une grille de 64 boutons qui peuvent changer de couleur ainsi que de différents modes de visualisations (séquenceur, égaliseur…).

Novation Launchpad

Beatbearing

Bien qu’à priori assez limité dans son usage, « Beatbearing » surprend par son aspect et offre au séquenceur une esthétique et une facilité d’usage vraiment intéressante grâce à ses billes métalliques.

BeatBearing

reacTable

ReacTable un impressionnant projet de synthétiseur tangible. Le plateau est de forme circulaire sur lequel (les) joueur(s) vient placer des blocs, éléments du synthétiseur. En fonction de la distance, les blocs se raccordent entre eux et le joueur peut moduler les sons en pivotant ces objets. Ces raccordement se terminent au point central, représenté par un petit rond noir : « l’output » du synthétiseur. L’ensemble fonctionne grâce à des tags trackés par une caméra placée sous la surface. Celle ci peut également prendre en compte les effets lumineux générés par les blocs, ou la position des doigts du joueur.

reacTable

ReacTogon

Reactogon est un « arpeggiator » tangible, basé sur la logique des réactions en chaînes. Sur un plateau multitouch, le joueur disposé divers blocs :

« Note », qui couplé à une orientation permet de « lancer » un signal.

« Ricochet », qui permet de faire rebondir ce signal en déclenchant un son.

« Splitter », sorte de ricochet multi-directionnel.

« Stop », pour arrêter un son.

ReacTogon dispose également d’une barre pour agir sur le « pitch » du son ainsi que divers « fader » pour le volume et les effets.

ReacTogon

Ce projet aura d’ailleurs été à la base de l’influence de « JR Hexagone pro », application de création semi-assistée pour iPhone.

Audiopad

Proche du concept reacTable, Audiopad est une interface plutôt destinée a mixer la musique.

Audiopad

audiowiisual / wii scratching

Voici deux projets basés sur les interactions de la wiimote.

loopArena

loopArena est un environnement tactile principalement destiné au live ou à la performance. L’utilisateur peut ainsi contrôler des instrument MIDI tels un sampler ou un synthétiseur.

loopArena

Andy Huntington’s Beatbox

BeatBox est un système que l’on pourrait qualifier de « séquenceur pour objets réels ». L’idée est de marqué un rythme sur un bouton, et de placer un petit dispositif sur un objet voulu. Ce rythme sera reproduit en frappant sur l’objet en question. Très ludique et amusant.

Andy Huntington's BeatBox

Beatbox from Andy Huntington on Vimeo.
Ce projet fait suite à « TapTap », un projet tout aussi créatif.

tapTap from Andy Huntington on Vimeo.

Percussa Audio Cubes

Audio Cubes est un projet d’interface tangible permettant à l’utilisateur de créer des son ou d’appliquer divers effets à une piste grâce à un système basé sur des capteurs/récepteurs infrarouges. Ainsi la position, l’orientation, la distances (entre deux cubes ou entre un cube et un obstacle) seront déterminant pour agir sur le son. Audio Cubes est susceptible de fonctionner avec n’importe quel logiciel de création musicale.

Percussa Audio Cubes

Scrapple

Toujours dans le domaines des séquenceurs tangibles, scrapple utilise des formes géométriques simples à disposer sur une table dont les axes représentent le temps et le « pitch ».

Scrapple

Scrapple Installation (Brief Demo) from Golan Levin on Vimeo.

iPhone ocarina

Il existe aujourd’hui une grande quantité d’applications musicales pour iPhone. En voici une assez particulière :

iPhone ocarina, est, comme sont nom l’indique, une simulation d’ocarina pour le téléphone d’apple basé sur le souffle (micro) et la position des doigts (écran multitouch).

iPhone Ocarina

Quelques spécifications

Sources :

http://www.fubiz.net/

http://romk.fr/blog/musique/les-interfaces-visuelles-sonores

http://emi.precious-forever.com/

WAV (Waveform Audio Vector) : Fichier non comprimé (pas de perte de qualité) au poids très lourd, principalement utilisé pour travailler le son.

MP3 (MPEG-1 Layer III) : Fichier comprimé, poids très léger et grande compatibilité. Malheureusement ce format détruit la qualité du fichier, particulièrement mauvais dans les aiguës.

Ogg (Ogg Vorbis) : Tout comme le Mp3, l’Ogg Vorbis est un fichier comprimé, cependant ce dernier à la caractéristique d’être libre (pas de droits d’utilisation) et de disposer d’un meilleur algorithme de compression qui conserve mieux la qualité initiale du fichier.

Le format le plus utilisé aujourd’hui est bien sûr le mp3.

La généralisation s’est faite à grande vitesse, principalement grâce aux baladeurs numériques et aux échanges de fichiers, légaux ou non (de type p2p) sur internet. Ce format s’est principalement répandu « grâce » à la faible quantité de stockage des premiers baladeurs mp3. Il était à l’époque inconcevable de transporter dans sa poche des albums entiers au format WAV. Le premier baladeur mp3 disposait de 32mo de stockage, soit : un album très compressé au format mp3 ou … une piste WAV.

Mais alors pourquoi utilisons nous encore le fichier mp3 ?

Pour la même raison que l’on utilise MSN plutôt Jabber, ou Windows à la place de Linux : Par habitude et pour répondre aux standards. Le simple fait que l’appellation  »lecteur Mp3″ soit passé dans le langage courant nous incite à utiliser ce support pourtant largement inférieur au Ogg. Il n’est d’ailleurs pas rare de trouver des ordinateurs ou lecteurs incapables de lire ce dernier. Cette standardisation à des raisons historiques : n’ayant pas de concurrents à l’époque (années 90) le format mp3 s’est naturellement rependu et il est donc difficile aujourd’hui de s’en défaire.

Quel futur pour les formats musicaux  ?

Aujourd’hui la capacité de stockage des lecteurs de poche se comptent en dizaines de gigas, les débits internet se sont accélérés et il devient naturel de voir fleurir des fichiers mp3 aux taux de compression beaucoup plus faibles (donc plus volumineux), voir des albums au format WAV (ou autre).

Cependant, certains formats vont encore plus loin et s’ils sont encore méconnus, il y a fort à parier que le MT9 ou le MXP4 prennent de l’envergure dans les prochaines années.

MT9, MXP4… ?

Les formats de type MT9 ou MXP4 sont des formats dits de type « multipistes ». Le multipistes consiste à bénéficier d’un canal musical par instrument. Avec ce format l’utilisateur peux lui-même « mixer » sa musique et ainsi agir sur le volume de chaque canal pour adapter la musique au support ou simplement adapter le morceau à son envie et à ses goûts.

Il est possible de "mixer" soi-même un morceau grâce au MT9

L’intérêt va même plus loin avec le MXP4 puisqu’il est maintenant possible, grâce à la composition du format, de faire passer aisément le morceau d’une version acoustique à électrique, voir même de changer le timbre ou l’instrument un peu à la manière d’un fichier MIDI. Il est également possible pour l’artiste d’injecter de l’aléatoire dans son morceau et ainsi faire en sorte que l’écoute ne soit jamais identique.

L'iPhone à déjà son lecteur multipistes avec iKlax et des sources via iTunes

Le multipistes présente également un autre avantage, moins visible : celui visant à favoriser le développement de jeux et applications basés sur la musique. Si dans le passé il n’était possible d’agir (que) sur une partie de la musique, seulement en ayant les fichiers de masterisation du morceau, souvent difficile d’accès, il semble aujourd’hui possible de réaliser ses propres applications/jeux simplement avec les droits d’auteur adaptés et cela ne pourra qu’être bénéfiques aux structures de développement indépendantes.

Voici pour finir une petite application interactive que l’on peut trouver sur la page d’accueil du site du format MXP4 (mes excuses par avance, seul un morceau de Britney Spears est disponible) : 

Sources :

http://citeseerx.ist.psu.edu/viewdoc/download?doi=10.1.1.26.5956&rep=rep1&type=pdf

http://www.omf.paris-sorbonne.fr/IMG/pdf/Son_Beatles_multipiste.pdf

http://www.mxp4.com/

http://www.lesitedemika.org/ressources/fichiers_audio_video.pdf

http://genma.free.fr/spip.php?article209

http://www.reghardware.co.uk/2008/03/10/ft_first_mp3_player/?wink

http://pianoweb.free.fr/audio-mt9.html

http://www.infos-du-net.com/actualite/dossiers/130-mxp4-format-musique.html

Les projets « muzitouch » de Guillaume Binard, orienté produit et de Rémi Engel, orienté interactivité, ont particulièrement retenus mon attention pour leur rapprochement avec la musique et leur manière de « jouer » avec celle-ci.

Muzitouch – Guillaume Binard

Muzitouch est un périphérique qui permet de :

Proposer une alternative au processus de choix lors de l’écoute musicale

Muzitouch est un objet à toucher, à parcourir pour déterminer un choix musical en fonction de l’état émotionnel dans lequel se trouve l’utilisateur. Une caresse vous orientera plutôt vers une musique calme tout comme un coup de poing déterminera choix plus agressif. L’auteur nous explique ceci :

Même si vous ne voyez pas ou plus, que vous ne savez pas lire, que vous êtes indécis ou concentré à faire quelque chose, la manière de toucher muzitouch est déjà un acte de choix surprenant…

Muzitouch, un péripherique musical à caractère émotionnel

Musique Tactile – Rémi Engel

Rémi est graphiste de formation. A travers ce projet de musique interactive, il nous propose une nouvelle manière, tactile, de jouer avec la musique. Se déclinant en plusieurs supports, « musique tactile » joue avec des concepts proches de plusieurs jeux connus. « Sergent » et ses mini-jeux avec les Beatles nous rappelle assez facilement « rhythm paradise » alors que « Ghost » et « Pygmee » se rapprochent plus d’un « electroplankton » et de ses multiples facettes de création semi-assistée. L’ensemble composé de graphismes rétros et parfois même un peu psychédéliques créant un univers tactile et sonore poussant le « joueur » à se faire une « expérience intime » de la musique. Selon l’auteur :

L’objectif  est de proposer une nouvelle manière de « consommer » l’expérience musicale, en prenant en compte la specificité de chaque morceau afin d’immerger l’utilisateur au coeur même de la composition.

Musiques Tactiles – Sergent from Remi Engel on Vimeo.

Musiques Tactiles – Ghost from Remi Engel on Vimeo.

Musiques Tactiles – Pygmee from Remi Engel on Vimeo.

www.rengel.fr

Music Painting

« Music Painting » est un clip  (non officiel) réalisé sur le morceau « On the Motorway » de « Metronomy ». Conçu sur un papier déroulant, des pinceaux viennent marquer la hauteur des tons des instruments en créant ainsi un fresque ou les couleurs se croisent et se mélangent.

Music Painting by JUL & MAT from JUL & MAT on Vimeo.

Interactive business card

Voici une utilisation très fonctionnelle du QR code. Cette carte de visite, dont le recto est composé d’une grille de mots mêlés comporte un code barre qui d’une simple photo vous fera visionner leur showreel.

Interactive business card by JUL & MAT from JUL & MAT on Vimeo.

Via Fubiz

Si chacun est libre d’apprécier ou non les talents musicaux d’Etienne de Crécy ce billet ne parlera pas de sa musique à proprement parler, mais de la scénographie de ses concerts.

Photographie de Thomy Keat (HNK)

Voici un extrait d’une interview réalisée par Simon Murin et Rémy Pellissier pour Evene.fr dans laquelle Etienne de Crecy parle lui-même de cette fameuse structure scénographique.

Pourriez-vous nous décrire un petit peu ce nouveau concept scénique, la structure de scène ?

J’ai travaillé avec des architectes qui ont un collectif qui s’appelle Exyst. Ils ont imaginé et conçu ce projet. Ils ont pensé à une structure composée de deux rangées de 9 cubes empilés les uns sur les autres, soit 6 mètres de large, 6 de haut et 4 de profondeur. C’est un peu un Rubik’s Cube géant. Tous ces cubes sont faits en structure d’échafaudage avec des écrans transparents tendus dessus. Ils ont modélisé ce cube dans leur ordinateur pour préparer et tester les projections. Il y a des effets de perspective, c’est très réussi.


Ce projet est-il né d’une envie, d’un besoin, d’une rencontre ?

En fait, après le concert de Versailles, les Transmusicales m’ont demandé de faire un live. Par l’intermédiaire de Manu Baron, qui était programmateur de l’Aéronef, j’ai rencontré ces architectes, qu’il connaissait. Et ils ont tout fait.


Comme vous le souhaitiez ?

Quand j’ai vu leur truc, j’ai trouvé ça super. Par contre tout est sorti de leur imagination. J’avais juste donné un cahier des charges. Je voulais quelque chose d’assez simple, une imagerie assez “computer”. Je ne voulais pas de VJing (pratique du Vidéo Jockey, équivalent pour les images du DJ, ndlr) trop compliqué. Et ils ont imaginé cette structure-là qui m’a tout de suite emballé, à base de figures géométriques.


Y aura-t-il un VJ qui mixera ces images en live ou tout est-il enregistré ?

En fait, ce sont eux qui s’occupent de gérer ça. Ils gèrent aussi les informations que je leur envoie par le biais de ma boîte à rythmes centrale, une MPC, qui leur envoie des signaux midi. Il y a donc une partie synchronisée avec ma musique et une partie live.


Est-ce que votre set est quelque chose de vraiment fixé, ou est-ce quelque chose d’aléatoire, qui évolue selon le public et vos envies ?

Ce n’est pas aléatoire, mais j’ai des grands degrés de liberté. Toute la musique est programmée, c’est-à-dire que je ne joue aucune mélodie. Par contre, les structures sont faites en fonction de la réaction des gens. Je peux faire durer les séquences 8 ou 16 mesures, voire 32 si je vois que l’ambiance monte. L’image est dépendante de ça. Si, sur une séquence, j’ai envie de rester plus longtemps, la séquence visuelle va suivre. Mais comme je fais beaucoup de choses en même temps, une grande partie n’est pas programmée, du coup je peux me tromper, ce qui m’arrive assez souvent. D’une date à l’autre le live n’est donc jamais pareil.

Photographie de Thomy Keat (HNK)

Pour avoir assisté à l’un de ces concert, le travail réalisé dans cette installation est tout simplement exceptionnel. Les structures 3D vidéo-projetées se déplacent, vibrent, fusionnent, roulent, se distordent, s’éclatent ou se recomposent pour donner vie à un espace complètement intemporel et laissant libre champ à un délire psychédélique. L’ensemble est donc contrôlé par les actions du DJ sur la boite à rythme.

Chaque sens apporte sa dose de perception et dispose de ses caractéristiques propres, donnant ainsi vie à des notions de plaisir ou de désagrément, mêlant le ressenti pur (mécanique) à une interprétation plus subjective liée bien souvent à la mémoire. Lorsqu’une installation fait appel à deux sens simultanément, il en ressort très naturellement une immersion beaucoup plus forte qui tant à désancrer de la réalité la personne stimulée.

C’est exactement ce qui se passe dans ces concerts : tous ces mouvements surréalistes de cubes, de structures, jouant avec le rythme et les « montées » de la musique viennent nous porter et donne à la musique une impression de « tangible » que l’on peut imaginer retranscrire dans le jeu vidéo.

Concluons sur une vidéo illustrant cette scénographie. (Vidéo tirée du mySpace d’Etienne de Crecy)

Etienne De Crecy Live 2007 Transmusicales de Rennes from Clement bournat on Vimeo.

On retient :

• La notion de musique « tangible » / Notion abordée chez les sourds pour ressentir la musique
• http://www.inclusie.be/fr/m/c1/89/voorzieningen/
• La force du mélange des sens
• L’espace intemporel
• L’extraction à la réalité

Figoquoi ?

Pour résumer et selon ses créateurs, le FightPod (Fight pour combat, Pod pour iPod => Combat de lecteur MP3) c’est :

Une soirée de joutes musicales, de partage et d’échange autour de la musique. Des « duels » sont organisés : 2 fighterz s’affrontent amicalement à l’aide de leur lecteur MP3 rempli de leurs meilleures bombes ! Le public désigne le gagnant grâce à leur vote rose / noir. Les titres des morceaux et des artistes sont affichés en temps réel.

Des combats de musique, donc, mais des combats festifs dont le but est plutôt la découverte musicale que la victoire à tout prix. L’ambiance est donc généralement au rendez-vous et les participants ne manquent pas d’imagination en matière de déguisement ou pour lâcher un « taunt » (provocation) à l’adversaire.

A chacun de trouver LE bon morceau !

Mais le FightPod ça vient d’où ?

Le concept du FightPod a été inventer par un certain « Chryde » membre et fondateur de la Blogothèque, mélange de blog et de webzine traitant principalement de culture musicale et ayant pour devise :

Musique, partage sont deux mots qui vont très bien ensemble.

Ce personnage a donc eu l’idée d’organiser un combat de lecteurs MP3 au court d’un « apero » au Point éphémère (centre artistique) en mai 2005 à Paris. Après quelques soirées parisiennes, le concept s’est rapidement exporté en province et c’est à Nantes, fin 2005, que le FightPod continua son ascension. C’est également à cette période que sera organisé, avec Samsung, le « MP3 mix challenge », FightPod géant dans cinq des plus grandes boites parisiennes (le WAG, le REX, le Redlight, le Cab et le Queen). Depuis ces soirées ont conquises de nombreuses villes/régions comme Toulouses, Québec, Dublin… Avec une très forte activité à Nantes.

Victoire écrasante du rose ?

Comment ça se passe exactement ?

Pour participer il faut évidemment un baladeur MP3 (toutes marques confondues) ! Une fois inscrits, les participants s’affronteront deux par deux dans un tableau à élimination direct en passant alternativement deux ou trois morceaux de musique. L’idée étant de sortir LA musique qui déchaînera les passions. A la fin de chaque « combat » le public devra montrer soit un carton noir, soit un rose, à la couleur de son candidat préféré. Les matchs s’enchaînent donc jusqu’à la grande finale ou le vainqueur est célébré.

Grand classique ou perle inconnue, chacun a sa technique

Pourquoi ça marche ?

Le Fightpod à de nombreux points pour plaire. Il s’adresse tout d’abord à une génération (18/30 ans) qui vit constamment dans l’échange et la découverte de musique. Ces soirées permettent de se regrouper dans un lieu festif (souvent un bar), pour découvrir et proposer de la musique. Pour les participant (faire écouter ses morceaux favoris), comme pour le public (découvrir de nouvelles pistes) tout le monde s’y retrouve. Le côté souvent théâtral (parfois la scène est faite d’un ring), les présentateurs surchauffés et les déguisements loufoques finissent de rajouter le piment à ces soirées toujours mémorables.

Le premier flyer FightPod

On retient :

• La mise en scène du duel
• Le plaisir de partager ses morceaux favoris
• La découverte musicale
• Les soirées chaleureuses
• L’affrontement festif
• La tactique du choix des morceaux

Sources :

http://www.blogotheque.net

http://www.fightpod.com/