Travail de fin d’études essentiellement typographique sur Steve Reich, compositeur américain de musique répétitive, proche de l’art minimal. J’ai choisi de travailler sur trois morceaux, qui me paraissaient les plus représentatifs. J’ai voulu traduire chaque morceau par un ensemble de signes minimalistes, recréer un langage musical personnel accessible à tous. Je voulais, à sa manière, créer un nouveau langage musical abstrait.

Notions à retenir : Répétition / Rythme / Mouvement / Plans / Cycles / Temps / Point de vue / Superposition / Vide / Mémoire
Plus de visuels : Lien vers le Creabook
Site de l’auteur : http://www.ronanderiez.com/

Les projets « muzitouch » de Guillaume Binard, orienté produit et de Rémi Engel, orienté interactivité, ont particulièrement retenus mon attention pour leur rapprochement avec la musique et leur manière de « jouer » avec celle-ci.

Muzitouch – Guillaume Binard

Muzitouch est un périphérique qui permet de :

Proposer une alternative au processus de choix lors de l’écoute musicale

Muzitouch est un objet à toucher, à parcourir pour déterminer un choix musical en fonction de l’état émotionnel dans lequel se trouve l’utilisateur. Une caresse vous orientera plutôt vers une musique calme tout comme un coup de poing déterminera choix plus agressif. L’auteur nous explique ceci :

Même si vous ne voyez pas ou plus, que vous ne savez pas lire, que vous êtes indécis ou concentré à faire quelque chose, la manière de toucher muzitouch est déjà un acte de choix surprenant…

Muzitouch, un péripherique musical à caractère émotionnel

Musique Tactile – Rémi Engel

Rémi est graphiste de formation. A travers ce projet de musique interactive, il nous propose une nouvelle manière, tactile, de jouer avec la musique. Se déclinant en plusieurs supports, « musique tactile » joue avec des concepts proches de plusieurs jeux connus. « Sergent » et ses mini-jeux avec les Beatles nous rappelle assez facilement « rhythm paradise » alors que « Ghost » et « Pygmee » se rapprochent plus d’un « electroplankton » et de ses multiples facettes de création semi-assistée. L’ensemble composé de graphismes rétros et parfois même un peu psychédéliques créant un univers tactile et sonore poussant le « joueur » à se faire une « expérience intime » de la musique. Selon l’auteur :

L’objectif  est de proposer une nouvelle manière de « consommer » l’expérience musicale, en prenant en compte la specificité de chaque morceau afin d’immerger l’utilisateur au coeur même de la composition.

Musiques Tactiles – Sergent from Remi Engel on Vimeo.

Musiques Tactiles – Ghost from Remi Engel on Vimeo.

Musiques Tactiles – Pygmee from Remi Engel on Vimeo.

www.rengel.fr

Music Painting

« Music Painting » est un clip  (non officiel) réalisé sur le morceau « On the Motorway » de « Metronomy ». Conçu sur un papier déroulant, des pinceaux viennent marquer la hauteur des tons des instruments en créant ainsi un fresque ou les couleurs se croisent et se mélangent.

Music Painting by JUL & MAT from JUL & MAT on Vimeo.

Interactive business card

Voici une utilisation très fonctionnelle du QR code. Cette carte de visite, dont le recto est composé d’une grille de mots mêlés comporte un code barre qui d’une simple photo vous fera visionner leur showreel.

Interactive business card by JUL & MAT from JUL & MAT on Vimeo.

Via Fubiz

Si chacun est libre d’apprécier ou non les talents musicaux d’Etienne de Crécy ce billet ne parlera pas de sa musique à proprement parler, mais de la scénographie de ses concerts.

Photographie de Thomy Keat (HNK)

Voici un extrait d’une interview réalisée par Simon Murin et Rémy Pellissier pour Evene.fr dans laquelle Etienne de Crecy parle lui-même de cette fameuse structure scénographique.

Pourriez-vous nous décrire un petit peu ce nouveau concept scénique, la structure de scène ?

J’ai travaillé avec des architectes qui ont un collectif qui s’appelle Exyst. Ils ont imaginé et conçu ce projet. Ils ont pensé à une structure composée de deux rangées de 9 cubes empilés les uns sur les autres, soit 6 mètres de large, 6 de haut et 4 de profondeur. C’est un peu un Rubik’s Cube géant. Tous ces cubes sont faits en structure d’échafaudage avec des écrans transparents tendus dessus. Ils ont modélisé ce cube dans leur ordinateur pour préparer et tester les projections. Il y a des effets de perspective, c’est très réussi.


Ce projet est-il né d’une envie, d’un besoin, d’une rencontre ?

En fait, après le concert de Versailles, les Transmusicales m’ont demandé de faire un live. Par l’intermédiaire de Manu Baron, qui était programmateur de l’Aéronef, j’ai rencontré ces architectes, qu’il connaissait. Et ils ont tout fait.


Comme vous le souhaitiez ?

Quand j’ai vu leur truc, j’ai trouvé ça super. Par contre tout est sorti de leur imagination. J’avais juste donné un cahier des charges. Je voulais quelque chose d’assez simple, une imagerie assez “computer”. Je ne voulais pas de VJing (pratique du Vidéo Jockey, équivalent pour les images du DJ, ndlr) trop compliqué. Et ils ont imaginé cette structure-là qui m’a tout de suite emballé, à base de figures géométriques.


Y aura-t-il un VJ qui mixera ces images en live ou tout est-il enregistré ?

En fait, ce sont eux qui s’occupent de gérer ça. Ils gèrent aussi les informations que je leur envoie par le biais de ma boîte à rythmes centrale, une MPC, qui leur envoie des signaux midi. Il y a donc une partie synchronisée avec ma musique et une partie live.


Est-ce que votre set est quelque chose de vraiment fixé, ou est-ce quelque chose d’aléatoire, qui évolue selon le public et vos envies ?

Ce n’est pas aléatoire, mais j’ai des grands degrés de liberté. Toute la musique est programmée, c’est-à-dire que je ne joue aucune mélodie. Par contre, les structures sont faites en fonction de la réaction des gens. Je peux faire durer les séquences 8 ou 16 mesures, voire 32 si je vois que l’ambiance monte. L’image est dépendante de ça. Si, sur une séquence, j’ai envie de rester plus longtemps, la séquence visuelle va suivre. Mais comme je fais beaucoup de choses en même temps, une grande partie n’est pas programmée, du coup je peux me tromper, ce qui m’arrive assez souvent. D’une date à l’autre le live n’est donc jamais pareil.

Photographie de Thomy Keat (HNK)

Pour avoir assisté à l’un de ces concert, le travail réalisé dans cette installation est tout simplement exceptionnel. Les structures 3D vidéo-projetées se déplacent, vibrent, fusionnent, roulent, se distordent, s’éclatent ou se recomposent pour donner vie à un espace complètement intemporel et laissant libre champ à un délire psychédélique. L’ensemble est donc contrôlé par les actions du DJ sur la boite à rythme.

Chaque sens apporte sa dose de perception et dispose de ses caractéristiques propres, donnant ainsi vie à des notions de plaisir ou de désagrément, mêlant le ressenti pur (mécanique) à une interprétation plus subjective liée bien souvent à la mémoire. Lorsqu’une installation fait appel à deux sens simultanément, il en ressort très naturellement une immersion beaucoup plus forte qui tant à désancrer de la réalité la personne stimulée.

C’est exactement ce qui se passe dans ces concerts : tous ces mouvements surréalistes de cubes, de structures, jouant avec le rythme et les « montées » de la musique viennent nous porter et donne à la musique une impression de « tangible » que l’on peut imaginer retranscrire dans le jeu vidéo.

Concluons sur une vidéo illustrant cette scénographie. (Vidéo tirée du mySpace d’Etienne de Crecy)

Etienne De Crecy Live 2007 Transmusicales de Rennes from Clement bournat on Vimeo.

On retient :

• La notion de musique « tangible » / Notion abordée chez les sourds pour ressentir la musique
• http://www.inclusie.be/fr/m/c1/89/voorzieningen/
• La force du mélange des sens
• L’espace intemporel
• L’extraction à la réalité

Figoquoi ?

Pour résumer et selon ses créateurs, le FightPod (Fight pour combat, Pod pour iPod => Combat de lecteur MP3) c’est :

Une soirée de joutes musicales, de partage et d’échange autour de la musique. Des « duels » sont organisés : 2 fighterz s’affrontent amicalement à l’aide de leur lecteur MP3 rempli de leurs meilleures bombes ! Le public désigne le gagnant grâce à leur vote rose / noir. Les titres des morceaux et des artistes sont affichés en temps réel.

Des combats de musique, donc, mais des combats festifs dont le but est plutôt la découverte musicale que la victoire à tout prix. L’ambiance est donc généralement au rendez-vous et les participants ne manquent pas d’imagination en matière de déguisement ou pour lâcher un « taunt » (provocation) à l’adversaire.

A chacun de trouver LE bon morceau !

Mais le FightPod ça vient d’où ?

Le concept du FightPod a été inventer par un certain « Chryde » membre et fondateur de la Blogothèque, mélange de blog et de webzine traitant principalement de culture musicale et ayant pour devise :

Musique, partage sont deux mots qui vont très bien ensemble.

Ce personnage a donc eu l’idée d’organiser un combat de lecteurs MP3 au court d’un « apero » au Point éphémère (centre artistique) en mai 2005 à Paris. Après quelques soirées parisiennes, le concept s’est rapidement exporté en province et c’est à Nantes, fin 2005, que le FightPod continua son ascension. C’est également à cette période que sera organisé, avec Samsung, le « MP3 mix challenge », FightPod géant dans cinq des plus grandes boites parisiennes (le WAG, le REX, le Redlight, le Cab et le Queen). Depuis ces soirées ont conquises de nombreuses villes/régions comme Toulouses, Québec, Dublin… Avec une très forte activité à Nantes.

Victoire écrasante du rose ?

Comment ça se passe exactement ?

Pour participer il faut évidemment un baladeur MP3 (toutes marques confondues) ! Une fois inscrits, les participants s’affronteront deux par deux dans un tableau à élimination direct en passant alternativement deux ou trois morceaux de musique. L’idée étant de sortir LA musique qui déchaînera les passions. A la fin de chaque « combat » le public devra montrer soit un carton noir, soit un rose, à la couleur de son candidat préféré. Les matchs s’enchaînent donc jusqu’à la grande finale ou le vainqueur est célébré.

Grand classique ou perle inconnue, chacun a sa technique

Pourquoi ça marche ?

Le Fightpod à de nombreux points pour plaire. Il s’adresse tout d’abord à une génération (18/30 ans) qui vit constamment dans l’échange et la découverte de musique. Ces soirées permettent de se regrouper dans un lieu festif (souvent un bar), pour découvrir et proposer de la musique. Pour les participant (faire écouter ses morceaux favoris), comme pour le public (découvrir de nouvelles pistes) tout le monde s’y retrouve. Le côté souvent théâtral (parfois la scène est faite d’un ring), les présentateurs surchauffés et les déguisements loufoques finissent de rajouter le piment à ces soirées toujours mémorables.

Le premier flyer FightPod

On retient :

• La mise en scène du duel
• Le plaisir de partager ses morceaux favoris
• La découverte musicale
• Les soirées chaleureuses
• L’affrontement festif
• La tactique du choix des morceaux

Sources :

http://www.blogotheque.net

http://www.fightpod.com/